Nel 1970 i Jethro Tull sono già delle rockstars, dopo l’exploit del 2° album “Stand up” che li porta in vetta alla classifica in terra natìa, ed il consolidamento avvenuto con “Benefit”. Nel ’69 sono terzi nel referendum annuale del Melody makers, dietro ai monumenti Beatles e Rolling Stones, nello stesso anno il primo tour negli USA pone le basi per la consacrazione definitiva anche oltreoceano (che arriverà poi, con il primo posto in classifica di “Thick as a brick” del 1972 e “A passion play” del 1973; tra l’altro, saranno la prima band ad esibirsi allo Shea Stadium dai tempi dei Fab4).
Quello che manca all’inizio del decennio, è il disco che li renda immortali, ed ecco che dalla mente geniale di Ian Anderson scaturisce “Aqualung”, capolavoro assoluto, ed album col quale i Tull d’ora in poi verranno identificati.
La line-up. Il pianista ed organista John Evan, da ghost-member viene promosso a quinto membro effettivo (su disco, dal vivo la cosa era già in essere); Glenn Cornick, il primo fantasioso bassista (basti pensare al suo assolo in Bourèe) abbandona la nave, sostituito da Jeffrey Hammond, ex compagno di scuola di Anderson e suo bassista nella John Evan’s Band. Probabilmente il personaggio più eccentrico dell’intero panorama Tull, il buon Jeffrey; era uso presentarsi in palco con vestiti e strumenti a strisce bianconere (come può non essere simpatico uno così?).
Pare sia stato lo stesso Anderson a “raddoppiargli” il cognome, così come ha tolto una “s” a John Evans, e aggiunto il suffisso “more” a Barrie Barlow. Era talmente un suo amico da dedicargli una canzone in ognuno dei primi tre dischi: Song for Jeffrey, Jeffrey goes to Leicester square, For Michael Collins Jeffrey and me. Completano la band l’ormai fido Martin Lancelot Barre ed il batterista Clive Bunker, alla sua ultima prova coi Tull.
Concept. Aqualung viene unanimemente considerato un concept-album, ma la cosa è stata ripetutamente smentita da Ian Anderson, il quale parla di insieme di canzoni più o meno sullo stesso tema, ma senza una storia che faccia da collante. In effetti i temi portanti sono almeno due: il mondo dei “reietti”, di coloro che vivono ai margini della società; ed il violento attacco alle istituzioni religiose. Queste due tematiche contraddistinguono le due facciate del fu-vinile, che tra l’altro nelle prime edizioni portavano come sottotitolo il nome delle due canzoni più simboliche: Aqualung per la facciata A e My God per la facciata B. Anzi, inizialmente il titolo dell’intero album doveva essere “My God”, ma poi la presenza sul mercato di un bootleg con questo titolo consigliò di cambiare strategia.
Anderson ce l’ha comunque messa tutta per farlo sembrare un concept, visto che nel retro di copertina
appare anche una specie di decalogo (anzi: un ennalogo) che recita:
1. In principio l'Uomo creò Dio; e ad immagine dell'Uomo egli lo creò.
2. E l'Uomo diede a Dio una moltitudine di nomi, perché fosse il Signore di tutta la terra quando l'Uomo l'avesse deciso.
3. Ed il settemilionesimo giorno l'Uomo si riposò e si appoggiò pesantemente sul suo Dio e vide che era cosa buona.
4. E l'Uomo formò Aqualung dalla polvere della terra, e una schiera di altri suoi simili.
5. E questi uomini inferiori furono gettati nel vuoto; ed alcuni furono bruciati, ed alcuni furono separati dalla loro specie.
6. E l'Uomo divenne il Dio che egli aveva creato, e con i suoi miracoli regnò su tutta la terra.
7. Ma mentre tutte queste cose accadevano, lo Spirito che aveva causato la creazione di Dio da parte dell'Uomo continuò a vivere in tutti gli uomini; persino in Aqualung.
8. E l'uomo non se ne accorse.
9. Ma per l'amor del cielo è meglio che cominci a stare in guardia.
La musica. Dal punto di vista prettamente musicale, Aqualung porta a compimento il processo iniziato con Benefit. Il blues ormai è solo un ricordo, qui c’è un massiccio uso di riff chitarristici hard-rock (in cui Barre ha di che sfogarsi), mitigato da momenti altamente lirici guidati dalla sapiente chitarra acustica di Anderson. Il tutto condito dallo strumento simbolo dei Jethro Tull, il flauto traverso. Senza dimenticare il pianoforte, protagonista assoluto nell’intro di Locomotive breath. E le sublimi orchestrazioni del buon David Palmer, futuro sesto membro della band. Il risultato finale, come definirlo? Art-rock… folk-prog… gothic-celtico…. CAPOLAVORO mi sembra riassuma il tutto al meglio.
La copertina. E’ opera di Burton Silverman e ritrae il personaggio simbolo del disco, un clochard “dallo sguardo bieco e luciferino”. Pare che quest’immagine tragga spunto da una foto scattata dall’allora moglie di Anderson, Jennie (cui si attribuisce anche parte del testo della title-track). Nonostante l’apparenza, il nostro Ian ha sempre smentito di essere lui quel clochard, anche se fin dagli esordi era solito presentarsi sul palco vestito da straccione con delle palandrane improbabili.
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